這是法國畫家竇加（Edgar Degas, 1834-1917）1867-68年的作品「Portrait of Mademoiselle Fiocre in the Ballet "La Source"」（芭蕾舞劇《源泉》中的菲奧克爾小姐）。這幅是竇加第一幅描繪芭蕾舞者的畫作，這個主題之後讓他變成現代生活典型畫家，這幅畫法國首席女舞者菲奧克爾（Eugénie Fiocre, 1845-1908）站在巴黎歌劇院的舞台正中間，華麗而危險地在芭蕾舞劇《源泉》中飾演喬治亞公主奴瑞達（Nouredda）。在法蘭西第二帝國女性芭蕾舞者通常賺很少錢，最後流於賣淫維生，不過菲奧克爾嫁的不錯，被接受成首都閃耀的菁英明星。
這是俄國畫家康丁斯基（Wassily Kandinsky, 1866-1944）1929年的作品「Stubborn (Hartnäckig)」（頑固），雖然這是很多線條構成的有趣構圖和彩色幾何形狀，康丁斯基表示著這個形象是在太陽與月亮之間的單腳站立。雖然他的早期作品都成很清楚地被定義成形象的畫作與俄國富幻想風的記憶，在第一次世界大戰之後，康丁斯基的畫作開始變成幾何圖像，反應著對俄國至上主義（Suprematism），一種在不受局限的空間中浮現的純粹抽象形式。1921年康丁斯基來到德國，這幅畫作也完成與此，同時也參與實驗性質的包豪斯藝術與設計學院（Bauhaus school of art and design）。
這是俄裔法籍的畫家夏卡爾（Marc Chagall, 1887-1985）1978年的畫作「The Painter (Le peintre)」（畫家），這個作品，畫家（可能是夏卡爾他自己）在法國南部的聖保羅（Saint-Paul-de-Vence）的山頂小鎮上徘徊，這裡也是夏卡爾1950年後的家。畫家這裡正在描繪著一對相互擁抱夫妻或情侶，花叢跟像夢一般的形象在周圍環繞著。夏卡爾的彩繪玻璃窗的現代感設計也可能也影響這個畫作使用著輻射光線的藍色顏料。
這是法國畫家馬內（Edouard Manet, 1832-1883）1880年的畫作「Young Girl on a Bench」（在長椅的年輕女孩）。馬內使用著基督教的構圖在每個日常生活的畫面中，一位年輕的女孩坐在一個在巴黎郊區的私人庭院中，這個人像是帶著一個寬邊的帽子，如同在基督教中頭上的光環，還有坐姿端正的樣子，轉換成不知名的巴黎符號，天真而無邪和虔誠的美麗。這幅大師級的畫作也驅使著觀者去透過顏料厚薄與筆刷手勢的應用來了解畫家的創作過程。
這是法國畫家竇加的1866年的畫作「Portrait of a Man」（男性肖像）。竇加畫作中的人物通常觀者會目不轉睛地注視，少數可以被討論服裝造型或怪奇的設定。這幅畫就是個少數例子，這個男人穿著是中產階級的模樣，坐在一堆生肉中，包括大量的白色油質在地板上閃閃發亮，還有豬腳盤子和在他後面用白布覆蓋的香腸。雖然這個房間可能會被認為是屠夫的店或是餐廳，學者最近的推測則是一個描繪著不尋常靜物的藝術家工作室，因為在背景後面有一幅描繪大量生肉素描的裱框油畫。
這是一幅相當巨幅的男性肖像畫，是西班牙畫家哥雅（Francisco Goya y Lucientes, 1746-1828）1806年的畫作「Don Tadeo Bravo de Rivero」（唐布拉沃塔德奧德里韋羅），在19世紀早期大部分成功的西班牙肖像畫就是哥雅入畫的皇室家族、市民跟軍人將官。布拉沃塔德奧里韋羅（Tadeo Bravo de Rivero）穿著騎士軍官閃亮的制服，有著黃金跟白銀穗帶的猩紅色的外套，穗帶上還佩戴著一塊珍貴的聖地牙哥騎士團（Order of Santiago）的獎章，很緊身的褲子，有閃亮馬刺的長靴，還有在他身後配戴的儀式用長劍。他的三角帽在他的左手上，布拉沃塔德奧里韋羅莊嚴的姿勢，在他右手拿著馬鞭的上方有著像是戰爭般灰暗的天空，在他腳邊，哥雅畫了一隻狗，這也是傳統象徵著忠誠的符號，也代表著忠於國王的意思。雖然這是一幅很正式的肖像畫，畫家也顯示著他跟布拉沃塔德奧里韋羅的友誼，在畫作最左邊的下方加了一排提獻的文字「A su amigo」（給我的朋友）。
這區還有很多宗教畫作，因為那時正值聖誕節期，所以看這些畫作也很有聖誕氣氛。
這是義大利畫家孔內（Nardo di Cione, 1343-56/66）大約14世紀中期的畫作「Madonna and Child with Saint Zenobius, John the Baptist, Reparata, and John the Evangelist」（聖母瑪利亞和聖嬰與聖吉諾比烏斯、施洗者約翰、雷帕拉達、傳福音者約翰），孔內跟他的哥哥奧卡尼亞（Orcanga, 1308-1368）在14世紀後期致力於佛羅倫斯的畫作，1348年在黑死病蔓延佛羅倫斯之後，帶走了三分之二人口的生命，藝術家對這種人道主義的對抗回到了喬托（Giotto di Bondone, 1267-1336）早期世紀中。在這個關鍵的時期，孔內回到使用了金色的底面，傳統的手法代表了不變的永恆，同時也延續喬托對人世間人物描繪的喜愛。這裡孔內使用很多從早期風格到黑死病之後的歌德式風格，例如，很強烈的階級人物安排，像是瑪利亞放這在畫作的最上面，旁邊其它的聖者比例比較小，也指著她的中心位置，代表著奉獻嬰孩的心智。然而這個形象也顯示了多愁善感的情緒，還有喬托首創的三角形狀。這個畫板可能是為了有聖吉諾比烏斯遺跡的佛羅倫斯教堂所做（聖吉諾比烏斯在作品的左側上面），這個作品通常被學者認為是很重要的美國14世紀單幅祭壇畫。
這也是義大利畫家孔內14世紀中期的作品「Christ Blessing」（耶穌祝福），起初只定義這是19世紀的雕刻畫，這個作品在2000年3月英格蘭多塞特（Dorset）的拍賣會被發現，但是學者很快就發現這個作品是孔內《聖母瑪利亞和聖嬰與聖吉諾比烏斯、施洗者約翰、雷帕拉達、傳福音者約翰》遺失的高處區塊。如同附屬在大幅作品的一小塊高處區塊，這個作品也陳列在館內原作的旁邊，孔內的單幅祭壇畫可能在19世紀義大利運輸到法國的途中被切成兩塊，這兩塊作品，本來是在1851年的巴黎拍賣會被個別售出，2000年在博物館取得高處區塊之後第一次被組合在一起。這個作品在來到博物館是一個19世紀雕刻畫的六角形狀，而且累積了數個世紀的灰塵，從收集來的X光畫作照片中，可以發現原來是三葉形狀。做為曾經是同一個作品被移除的高處區塊，它用釘木條的方式讓外圍被稍微地擴大，變成現在的六角形，空隙部分則用石膏補填，貼上金箔跟塗上顏料來補強多餘的部分。
這是義大利畫家皮耶羅（Sano di Pietro, 1405-1481）大約1450年的作品「Virgin and Child with Saints James Major and John the Evangelist」（聖母和嬰孩與聖雅各和傳福音者約翰），這是皮耶羅在美國的收藏中其中一幅最大的單幅祭壇畫，這個作品只有兩個聖者瑪利亞旁邊（通常是四個），有些學者認為從傳福音者約翰往右邊看的眼神，有可能這個作品有其他兩塊形成四聯畫，或是還有其他幾塊組合起來的作品。
這是義大利畫家丹布拉裘（Pietro di Giovanni d'Ambrogio, 1409/10-1448）1440年左右的作品「Madonna and Child」（聖母瑪利亞與聖嬰），這個聖母瑪利亞與聖嬰的畫作符合15世紀很有名的錫耶納（Sienese）形式：聖嬰站著而且抓著在正在冥想的聖母瑪利亞的上衣，聖母瑪利亞抱著聖嬰，手抓著聖嬰的一隻腳。這些細微的特色也證明了錫耶納風格，讓藝術家帶來另外一種畫作類型的品質，包括聖嬰身上的布料有如像線性一般的優雅、聖嬰觸摸著聖母瑪利亞臉頰的細緻親密動作，還有聖嬰結實的的身體，都轉變成更多典型的佛羅倫斯特徵。多愁善感與樸素的氣氛和都強化了畫作中寧靜的溫柔。做為一幅三聯畫的中間作品，這個畫作可能曾經也在側翼兩旁加上兩幅畫，而做為一幅三聯畫的中間作品。
這是義大利畫家皮耶羅1440年左右的作品「Madonna of Humility」（謙卑的聖母瑪利亞），謙卑的聖母瑪利亞指的是聖母瑪利亞很莊嚴地用著墊子坐在地上的畫面，引發出聖母瑪利亞接受到天使加百列她即將聖靈感孕生子與在期間散發出的人性和母愛；相反的是聖母升天就是天堂的皇后。在皮耶羅多產畫作的生涯中，這幅不尋常的畫作顯示的是早期的聖母瑪利亞，不只是用著錫耶納風格刻畫著優雅的線條，還具備佛羅倫斯寫實主義強調直接觀察的強而有力效果，之後這些特徵也部分成為用結實身體線條來描繪聖嬰的原因。作為典型的肖像風格，基路伯天使環繞著聖母瑪利亞，在她的頭部像是有一雙翅膀的樣子，天使的家族成員也被畫成銀色，但現在銀色已褪去不復見。過去的六個世紀，這個畫作曾經被擴大和連結，在聖嬰的眼睛附近可以發現被放入一個木頭結點。
這是義大利畫家巴特羅（Andrea di Bartolo, 1389-1428）大約1410年的三聯畫作品，中間這幅是「Virgin of Humility with the Redeemer」（謙卑的聖母與救世主），左邊這幅是「Saint Anthony Abbot with the Annunciate Angel」（聖安東尼與領報天使），右邊這幅是「Saint James Major with the Virgin Annunciate」（聖雅各與報喜聖母）。這幅是攜帶型的三聯畫，也可以放置在牆上的樣式，這個小幅的作品是為了私人所用，巴特羅使用了肖像風格的謙卑聖母瑪利亞，在畫作的邊緣可以看到草跟花，描繪著瑪利亞坐在花園的草地上。看兩個側翼的畫，聖者袍子身上顯露出精細的布料線條，雖然在聖母瑪利亞的披風皺摺底邊有金色的起伏線條，但還是呈現較為暗色而沒有三角形狀。
這是義大利畫家巴柯（Maso di Banco, 1320-53）大約1336年的三聯畫作品，中間這幅是「Madonna with Saints and Christ Blessing」（聖母瑪利亞與聖者和耶穌祝福），左邊這幅是「The Nativity and the Annunciate Angel」（耶穌降生與領報天使），右邊這幅是「Crucifixion and the Virgin Annunciate」（耶穌受難與報喜聖母）。巴柯是喬托的其中一個極具天賦的學生，這個三聯畫也是小幅攜帶型的提供私人之用，也是現今唯一可以手持使用完整的一件作品。就算是這樣小幅的作品，畫作的形象也顯示喬托影響的重要性，在中間的聖母瑪利亞比例加大而且升天來強調她的莊嚴感，在她周圍有24個聖者的合唱團，彌撒中暗示著親密地重疊的光環，在透視畫法被使用之前，這裡光環的使用也加強了畫作的深度。在這個連續但分開的場景，把三聯畫集中起來一起觀看，這繪畫也在述說著從始至終耶穌在世上的生命，從誕生到受難的過程。
這是義大利畫家盧伊尼（Bernardino Luini, 1480-1532）畫派的16世紀中期作品「Madonna and Child Enthroned with Angels」（升天的聖母瑪利亞與聖嬰和天使）。盧伊尼跟他的畫派工作室助理，包括他的兒子奧雷利奧（Aurelio Luini, 1530-1593），都是以優雅古典主義和精細顏色著稱的宗教畫畫家。和達文西（Leonardo da Vinci, 1452-1519）學習的第一手畫法，做為盧伊尼在萊尼亞諾聖馬格諾大教堂（Basilica of San Magno in Legnano）完成工作的慶祝祭壇畫作品，在這個工作室共同合作出來的作品，聖嬰耶穌手持著一個水晶的球狀物，這球也像是文藝復興時期所定義的「lux mundi」，耶穌就是世上的光。
這是義大利畫家帕米札諾（Marco Palmezzano, 1459/63-1539）1521年的作品「Holy Family with Saints John the Baptist and Catherine of Alexandria」（聖家庭與施洗者約翰和亞歷山大的加大肋納），在這個設計提供居家禱告的小幅作品，義大利北方的畫家帕米札諾創造出聖家庭戲劇化的近部描繪。前方大理石平台讓觀者分開了宗教的人物和空想的場景，還有畫家拉丁文的簽名。在遠方的距離，在洞穴口上面有巨石，聖耶利米在十字架之前跪著禱告，而且在他前面還有有陡峭的山坡，兩個牧羊人也對宣報耶穌誕生的天使示意。
這是義大利畫家史托濟（Zanobi Strozzi, 1412-1468）大約1450年的作品「Virgin and Child with Four Angel and the Redeemer」（聖母聖嬰與四位天使和救世主），很多幅畫都描繪著聖母瑪利亞和聖嬰的主題，史托濟這幅不同的是對於這個主題的他的當代觀點，他把聖嬰描繪地比較挑釁頑皮的，如同佛羅倫斯大師多那太羅（Danatello; Donato di Niccolò di Betto Bardi, 1386-1466）低起伏的雕刻，史托濟的耶穌在聖母前面轉頭，打破了文藝復興時期祭壇畫的心理層面的制約。這個畫作有像幕的框架，像是建築模型設計供奉來提升莊嚴形象，這是原創的，而且可能是紐約收藏品中最古老的存在例子。
在這裡繞一圈又繞回不是宗教畫的區域，這是法國畫家馬蒂斯（Henry Mastisse, 1869-1954）1906年的作品「Nude in a Wood」（森林中的裸體），綜合很多預備但是還沒畫上的區塊，橘色、粉紅、綠色、紫色顏料的補丁與阿拉貝斯克風格，跟一個正坐著的女性（畫家的老婆）和她身後大片難以區分的景色整合在一起。除了前衛的畫風跟配色，馬蒂斯的主題是讓人類跟自然並存，回到在田園風景色中的長時間站姿傳統，還有其中引發出的靜止的和諧。馬蒂斯畫這幅畫的時候正處在一個轉換的時刻，正在發展他離開點描主義後的美學觀，用著規律的顏料塗抹法應用在主要的線條與平坦的顏色。
這是法國畫家莫內（Claude Monet, 1840-1926）1903年的作品「Houses of Parliament, Sunlight Effect」（陽光穿過的國會大廈），莫內善於描繪水與光富挑戰的畫風題材，像是畫著起霧倫敦轉變的美麗，或是泰晤士河岸邊的煙。莫內站在聖托馬斯醫院（Saint Thomas' Hospital）的陽台，從他畫作的題材中越過河流，在天氣跟光影變化中畫過一幅又一幅的畫。他的新歌德式的光線發散在傍晚時刻紫色的憂鬱，國會大廈變成大片的黑色剪影。太陽蒼白的光線在右上方角落劃過了黑暗，而且藉由重疊粉紅、橘色跟黃色的手法反射到水面上。為了準備1904年的展覽會，莫內1903年在他的吉維尼工作室（Giverny studio）修改這個畫作。
這也是莫內的作品，1908年的「The Doge's Palace」（總督宮），畏懼威尼斯到處俯拾即是的美景與藝術歷史的傳奇，莫內遲至1908年才參訪這個城市，在那裡透過城市基礎可見的元素，像是水、光跟建築，來找尋那些藝術家關注的焦點（反射、氣氛跟結構）。為了捕捉威尼斯的著名地標總督宮，莫內把他自己設定在貢多拉船中，穿越過水的視野，跳脫水平構圖與總督宮建築，強化反射的縱向設計，讓堅固的建築物融化在粉紅、綠色與黃色光線之中。雖然莫內以這個題材畫了不少幅畫，為了準備1912年的展覽會，莫內也在他的吉維尼工作室裡修改這個畫作。
這是法國雕塑家羅丹（Auguste Rodin, 1840-1917）1890年的作品「Cybele」（希栢利），作品在1981年重製。希栢利這個作品名稱是直到1914年倫敦的展覽才有這個名字，希栢利是古希臘羅馬中的女神，如同瑞亞（Rhea），希栢利是眾神之母，體現著豐腴的土地和豐富的藝術。在古代藝術中，她通常是呈現坐姿，這個作品沒有頭部的設計，讓手臂帶入許多從前古代雕塑作品的狀態。
Address:
Brooklyn Museum
200 Eastern Parkway
Brooklyn, NY 11238
延伸閱讀：
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The Track of Time: Brooklyn Museum - Ancient Near Eastern Art
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Official Website: Brooklyn Museum
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